miércoles, 28 de septiembre de 2016

5 Sencillos Tips Para Identificar Tipografías

Aprende cómo identificar tipografías con estas cinco sencillas formas de lograrlo.


Los estilos característicos de la tipografía decorativa y de display (de visualización) hacen relativamente sencillo diferenciarlas unas de otras. Sin embargo, identificar tipografía usada para texto suele ser una tarea difícil. Buscar las sutiles diferencias parece ser la única forma para identificarlas.
Como diseñador hay detalles que es muy útil conocer de ciertas cosas que uno casi nunca encuentra, pero que se necesita saber mientras se está diseñando. En este artículo les traigo unas sencillas directrices a seguir cuando se intenta identificar alguna tipografía así seas diseñador gráfico o no.
A primera vista, esas tipografías parecen que pudieran ser la misma, particularmente si comparas las “A” mayúsculas por ejemplo de la Arial y Avant Garde. Sin embargo, hay sutiles diferencias:
  • 1. Observar la altura de la x (x-height) de una tipografía, normalmente ayuda a identificarla. La altura de la x en las letras de la Futura es más pequeña que la de Arial y Avant Garde.
  • 2. La “a” minúscula puede variar de una tipografía a otra, como lo hace si comparamos las de la Arial, Avant Garde y Futura. Cuando intentamos identificar un tipo de letra, observar la “a” minúscula ayudará a determinar si hay coincidencias.

Así como las muestras de Sans Serif mostradas aquí, todas las Serifmostradas parecen similares cuando comparas las “A” mayúsculas. Las diferencias en esas tipografías pueden ser notadas haciendo algunas comparaciones.
  • 3. La altura de la x de las letras o tipos en la Times New Roman es más pequeña que en las muestras de la Palatino o Georgia.
  • 4. Cuando se compara tipografías Serif, comparando el estilo de las serifas o remates puede ayudar a identificarlas. La Palatino y Times New Roman tienen remates curveados o como cuña, ligeramente acampanados – bracketed serifs –, mientras que la Georgia no los tiene así.
  • 5. Comparando las letras minúsculas, especialmente las “g” y las “f”es una buena forma de notar pequeñas diferencias. Fíjate como el ojal (loop) de la descendente en la “g” difiere de una tipografía a otra, así como la forma de la “f”.
Esta es una forma simple para identificar tipografía, hay mucho detrás de esto que considero toda una ciencia y arte pues se requiere una larga instrucción para ser muy bueno en ello. Más adelante profundizaremos en esta materia para conocer los secretos que nos guardan estas sutiles formas con las que convivimos a diario.
Finalmente, puedes echar un vistazo por ti mismo a cientos de tipografías en MyFonts.com para conocerlas e incluso comprarlas.
Ahora que estaba extrayendo los ejemplos al ver los precios me quedé atónito, son algo caras, casi un lujo tener los sets completos, pero lo valen una vez que sabemos el trabajo que llevan invertido.
Hay quienes coleccionan estampillas, otros monedas o billetes, etc. quizá algún día coleccione yo me dedique a coleccionar tipografías. 😉

Adobe Illustrator VS Corel Draw

Uno de los dilemas o puntos de discusión de diseñadores es, ¿qué es mejor… como herramienta de diseño? si el satanizado e incomprendido Corel Draw o el popular Adobe Illustrator.


Vamos a ser objetivos, con ventajas y desventajas cuenta cada uno y que ofrecen al diseñador para ser más eficiente, considerando que  para un diseñador son indispensables ciertas características para diseñar,  trabajar con orden y eficiencia. La rapidez es muy importante por el entorno laboral en el que nos desenvolvemos, también es necesario tomar a consideración ciertos factores:
  1. Compatibilidad de Archivos (entre aplicaciones)
  2. Exactitud y precisión en sistemas de medición
  3. Comandos de teclado
  4. Escalabilidad
  5. Practicidad y distribución 
Para dejar las cosas claras, los puntos anteriores que se van a comparar, son factores que nada tienen que ver con el sistema operativo en el que se desenvuelven dichos programas ya que Corel Draw X6 solo funciona para Windows siendo que se quedó rezagada en la versión 11 para Mac.  Ahora bien Ilustrador es compatible para Mac y Windows, pero  a esto no nos referimos a compatibilidad.
Recuerda que la compatibilidad debe ser entre programas de diseño para poder solucionar diferentes problemas gráficos que el programa vectorial no puede hacer, por mencionar uno, el retoque fotográfico, la cual se trabaja mejor en un programa de edición de imagen.

1.- Compatibilidad en Formatos

El programa debe ser capaz de tener compatibilidad tanto con su misma suite de programas como con aplicaciones de diferentes paquetes de diseño.
Ilustrador,  no puede abrir archivos de otros programas de diseño que no sean de su misma familia (adobe) a menos que sean exportados a otro formato (EPS, SVG), por lo contrario Corel Draw si puede abrir archivos AI, PDF, PSD, etc.

2.- Exactitud y precisión en sistemas de medición

Una herramienta indispensable para todo diseñador gráfico. Ya que nos encontramos en un mundo lleno de formatos estandarizados. Por lo consiguiente un programa vectorial tiene que contar con un excelente sistema de medición.
Corel Draw maneja sistemas de medición exactos y mucho más funcionales a comparación con los que cuenta ilustrador que a grandes rasgos sirven para visualizar pero no para concretar, debemos arrastrar el objeto en vez de incluir las coordenadas en una casilla, lograr la exactitud milimétrica es sumamente difícil para un usuario promedio de Illustrator.

3.- Comandos de Teclado.

Los comando son esenciales en los programas de diseño ya que nos facilitan el manejo del mismo logrando acortar los tiempos de trabajo, así podemos ir por un cafecito.
Tanto Corel Draw como Illustrator manejan sistemas de comandos capaces de lograr que el diseñador pueda desenvolverse fácilmente con el programa. En este caso el punto en cuestión es… Que tan diestro puede llegar a ser el Diseñador?
Quienes no dominan estos comandos tienden a pasar un largo rato arrastrando el mouse por los menus y terminan odiando el programa pues con el tiempo van perdiendo el entusiasmo. La lentitud de no manejar comandos puede alejar a los clientes al terminar con su paciencia en los largos tiempos de entrega.

4.- Escalabilidad

Hablando del numero de paginas que puede contener el proyecto, Adobe Illustrator nos permite 100 hojas (art boards), mientras que corel puede manejar 999 aunque oficialmente no tiene un límite (por medio de codigo VB se pueden agregar 4000 páginas).
En cuanto a tamaño de página Corel permite un máximo de 50 metros, mientras que illustrator solo el 10% de esto  (5 metros), claro que se puede trabajar a escala (1:100) pero si tu software de RIP no te permite modificar las dimensiones o imprimes directo del programa, vas a encontrar dificultades.

5. Practicidad y distribución 

El archivo final es importante que sea facil de compartir y esto ha sido un dolor de cabeza para los usuarios de illustrator desde siempre, ya que a parte del archivo .AI debe de incluirse la carpeta con todas las imagenes y tipografias, y aunque es posible incluir estos archivos en el mismo documento se termina con un archivo de cientos de megas, digamos un poster de 11×17″ termina pesando 200mb.
Coreldraw lo hace por naturaleza, todo esta dentro del mismo archivo que es comprimido al guardar el .CDR por lo que el mismo archivo del poster pesa 4mb a escala 1:1 y de forma adicional es posible incluir también las familias tipográficas, de esta forma cuando llegue al destinatario será  1 archivo y 100% editable.
Otro punto a la practicidad seria que Corel requiere solo de 1 licencia de por vida, y los productos de Adobe requieren de una membresía mensual por equipo y estar conectado al internet para validar (es posible que cambien esta política).

En conclusión:

La gente  huye de Corel ya que es una herramienta muy técnica que requiere de ajustes antes de usar, como la densidad de puntos, escala, calibración de color (por default es CMYK), atajos de teclado, unidades de medida, ajustes de rendimiento, etc. Claro que no es bueno para todo Illustrator sobresale en lo que es bueno: ilustrar, las herramientas para ilustración son superiores en illustrator, los trazos, brushes y efectos de línea son muy orgánicos y en Corel son muy matemáticos y requieren de trabajo a zoom nivel de nodo.
Al final el programa que utilices no es tan importante ya sea Illustrator o CorelDraw, ni el sistema operativo (las mac igual SI se congelan y peor, también hay virus) lo que cuenta, es que sea una herramienta que te permita incrementar tu productividad, tu talento, que seas autodidacta y conozcas bien las funciones, limitaciones y atajos de la aplicación.

Diferencias entre Imprimir en CMYK y RGB

La calidad de la impresión es fundamental a la hora de emprender un trabajo de corte profesional. Cualquier buen diseñador o fotógrafo sabe que la impresión es, más que el último paso necesario de cualquier proyecto, un momento fundamental, que debe de cuidarse hasta los últimos detalles, para conseguir unas características adecuadas. Variaciones de color o aberraciones cromáticas aparecen frecuentemente en las pesadillas de los profesionales y son elementos a evitar en cualquier caso.

Pero en ocasiones quienes solicitan un trabajo profesional de impresión no son, a su vez, profesionales de artes gráficas y tratamientos de imágenes, por lo que pueden quedar sorprendidos de diversos aspectos de la misma.

Principalmente, nos referimos al cambio cromático que sufre en ocasiones la imagen desde la pantalla del ordenador hasta la impresión propiamente dicha. Estas diferencias vienen relacionadas con el paso de un esquema de color RGB a otro CMYK:
El esquema RGB (Red, Green and Blue, o rojo, verde y azul) utiliza combinaciones de estos colores para crear millones de otros colores fuertes y combinaciones, y es el usualmente utilizado en las pantallas de televisión y ordenadores. Sin embargo no se usa en impresión offset, donde el esquema usado es el CMYK.
El esquema CMYK trabaja en cuatricromía, con los colores cyan, magenta, amarillo y negro. Estos cuatro colores se mezclan con diversos porcentajes para conseguir cualquier tono, representado el 0% una adición de nada de color y el 100% una adición por completo del color indicado. Es decir, el color amarillo al 100% dará como resultado una impresión en amarillo. Es este el sistema utilizado en la impresión offset.

Evidentemente con lo anterior ya se ha respondido sucintamente a la pregunta de por qué, en ocasiones, la pantalla del ordenador no muestra exactamente los mismos colores que una impresión, por buena y profesional que sea esta. En realidad estamos viendo reproducciones realizadas con diferentes criterios de color que, aunque casi siempre coinciden, no lo hacen al cien por cien. Algo inapreciable, en cualquier caso, en la inmensa mayoría de los trabajos, pero que resulta visible en ciertos proyectos realmente específicos.



Estos cambios tienen que tenerse en cuenta por parte de los diseñadores. Así, por ejemplo, en CMYK hay muchos que cometen el error de fijar, por ejemplo, el negro al cien por cien en la escala y los demás colores cayendo al cero por ciento, por lo que se crea un negro poco saturado, con un tono diluido poco agradable. Para conseguir ese tono negro saturado lo ideal sería combinar el 60% del valor cyan, el 40% del color magenta, el 40
por ciento del amarillo y el 100 % del negro.
 De esa forma sí que se consigue el efecto deseado. Es, en cualquier caso, un ejemplo de cómo este formato de impresión debe de ser tenido en cuenta por diseñadores y fotógrafos a la hora de establecer el formato final de la imagen para conseguir los efectos deseados.

Ambos procesos (CMYK y RGB) tienen sus ventajas e inconvenientes. En RGB se pueden producir muchos más colores, aunque la conversión a CMYK no sea, como vimos, exacta, por lo que la carga de los archivos deberá de hacerse en CMYK, algo que permiten la mayoría de los programas. Por su parte, este sistema tiene también algunos defectos, principalmente la dificultad para reconocer el color azul y algunos problemas con los rojos oscuros, por lo que el cuidado al trabajar con estos dos tonos debe de ser máximo.

En cualquier caso, resulta claro que el conocimiento de ambos sistemas de color es absolutamente necesario para poder prestar un servicio profesional, y el propio diseñador debe manejarlos con soltura para hacer correctamente su trabajo.

7 Errores evitables antes de la imprenta

Ya tenemos nuestro trabajo diseñado. En la pantalla tiene muy buena pinta, pero ¿saldrá de la imprenta cómo yo me lo he imaginado en mi cabeza? Hace pocos años existía la figura del ‘arte finalista’, ahora entre el diseñador y la imprenta tenemos que suplir ese oficio. Hoy os vamos a dar unos consejos para evitar los típicos 7 errores antes de ir a la imprenta con nuestro trabajo.


1. Ortografía. Sí, sí, aunque parezca una tontería. ¿Alguien ha leído lo que hemos maquetado? Y cuando digo “leído” no me refiero a mirar por encima. Es una de las cosas que podemos delegar en el cliente. Uno de cada 10 trabajos que recibimos tiene faltas de ortografía, en serio.
2. Sangrado. Aunque lo pongamos en segundo lugar es el error número 1 de los archivos en la preimpresión. Todas las imágenes, fondos, elementos que llegan hasta el borde les aplicamos sangre (3-5 mm). Es obligatorio, ya que una guillotina va a pasar por ahí luego. Así que, mucho cuidado.

3. Espacio de color correspondiente. Podemos verlo en Acrobat Pro en el último momento, pero a veces viene de mucho antes. Las imágenes en CMYK y los colores Pantone deben estar bien definidos. ¿Si vamos a imprimir en offset plano por qué ponemos un perfil (US webcoated) que es para impresión en rotativa? Incluso a veces aquí en la imprenta nos viene un PDF con perfil Japan Color 2001 en el PDF. Simplemente hay que revisar cómo gestiona el color nuestro programa de maquetación, a veces hay errores tremendos ahí, al principio.
4. ¿He trazado las tipografías? Si no lo hago hay posibles problemas posteriores. Como hay diversos casos en los que no podemos, siempre existe la posibilidad de hacer comprobaciones en el PDF para ver si están incrustadas. ¿Cómo? Apunta: Acrobat/ Archivo/ Propiedades/ Fuentes. ¿A que es fácil

5. Soy capaz de valorar los tamaños y las proporciones en pantalla, porque si no lo soy, ¿no sería mejor imprimir una maqueta? Si hay plegados, es casi obligatorio, salvo que lo tengamos muy controlado. Y ten en cuenta que siempre hay plantillas que facilitan el trabajo.
6. Orientación de las páginas. Parece de cajón, pero hay que indicarla. A veces maquetamos documentos pero el resultado en el papel no queremos que sea tal cual. Hay que marcarlo, muchas veces una flecha indica el sentido de la cara y el dorso. En otras será necesario hacer una maqueta virtual de cómo se ve el trabajo terminado para que lo entienda el cliente y la imprenta.
7. Troqueles, stamping, serigrafías… En definitiva: los acabados extra. Si no sabemos cómo han de ir es más fácil preguntar. Cada imprenta tiene unas manías y requerimientos. A algunas les gusta que lleguen por separado, a otras, juntos en un mismo PDF. Un buen esquema a tiempo, te ahorrará muchas horas de trabajo en preimpresión.
Estos son los típicos errores. No caigas en ellos y antes de ir a la imprenta, revisa tu proyecto. Son los más comunes, pero si nos ponemos a hilar fino hay bastantes más cosas que deberíamos tener en cuenta. Y, como podrás imaginar, no es lo mismo hacer un flyer a una cara, que un catálogo de arte. Y, por raro que suene, a veces hay muchos más errores en lo más básico.

Consejos Fundamentales a la hora de diseñar

Desde utilizar contraste para realzar el diseño hasta mantenerse simples pero atractivos, son algunos de los sabios y básicos consejos que te ofrecemos para lograr una excelente presentación de diseño, a pesar de ser datos que por lo general ya se sepan, siempre hay que tenerlos presentes y aplicarlos en todo trabajo.
Estos cinco consejos son clave y valen la pena siempre tenerlos en cuenta al empezar a trabar sobre un nuevo proyecto de diseño gráfico, aplican para diferentes áreas como los logotipos, imágenes corporativas enteras, carteles o banners digitales.
La importancia de seleccionar una guía de colores, una línea de tipografías y no saturar de fotografías son algunos de los consejos que te brindamos a continuación, ya que si los sigues al pie de la letra no solo lograrás un buen diseño, sino enviar un mensaje a través de éstos y mejorar el día de alguien.
Consejo #1: Utilizar contraste para destacar los diseños
El uso de contraste en el diseño ayudan a destacar todas las áreas dentro de las imágenes, hacer el color brillante, resaltar las sombras y texturas. Es de suma importancia resaltar los colores, sobre todo al elegir el color de fondo y el color de las fuentes o gráficos que se utilizarán en el diseño. Una buena regla general es que si se tiene un fondo de color claro, entonces la tipografía debe de ir en colores oscuros(y viceversa).


Consejo #2: Seleccionar detenidamente la tipografía
Tal vez ya se tiene una tipo en especifico como empresa que se debe utilizar siempre, o en caso de empezar a diseñar una imagen corporativa propia, seleccionar una que muestre su estilo gráfico. Esta tipografía debe ser fácil de adaptarse tanto en títulos, textos, espacios pequeños y en otras aplicaciones, pero sobre todo que sea legible a primera instancia y fácil de leer.

Consejo #3: Elegir una combinación de colores correctas

Al igual que la selección de la tipo, el esquema de colores es de suma importancia para lograr un diseño que triunfe. El color o los colores a seleccionar deben de ir a tono con la personalidad de la marca, ya que serán los que se utilicen dentro de toda la empresa, es recomendable no mezclar más de tres colores y ser siempre fiel a estos. 



Consejo #4: No dejar las imágenes al desnudo

El uso de imágenes en el diseño añade interés y ayuda a que el diseño se destaque. Un buen consejo con imágenes es utilizar una rejilla o marco donde sea posible. Este es un truco simple que le dará al diseño un toque profesional.

Consejo #4: Mantenerse simple 

Por último, puede ser fácil dejarse llevar por tantas grandes imágenes, gráficos y fuentes para elegir. Un diseño desordenado es abrumador, sofocante y en ocasiones de mal gusto. Todo lo que se coloque dentro de un diseño debe tener justificación de ser y mantener un mínimo de fuentes colores, formas y marcos para no mezclar estilos y dejar el mensaje a dar de forma clara.